El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se puden entender intentando establecer un orden cronológico.
Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del siglo XIX. El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poesía antecedentes del Renacimiento Italiano en cuanto a la temática, pero el modo de paltearlo causó escándalos.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.
Los grandes adelantos de la técnica, la Revolución Industrial y el progreso moldearon la metalidad del hombre a principios del siglo XX.
La primera y segunda Guerra Mundialm contribuyeron al cambio. Cada cual trajo sus nuevas tendencias.
Los filósofos aportan teorías reveladoras. Algunas vanguardias no pueden entenderse sin las bases filosóficas que las sustentaron.
La modernidad ue aportó el Modernismo a fines del siglo XIX no era lo suficiente brusca. Más brusco fue el cambio de los dos primeros ismos del siglo XX, el Fauvismo y el Expresionismo.
Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes diversas e incluso contadictorias; como la tendencia conceptual y la realista.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva de la pintura tradicional. El término cubismo fue acuñido por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los Fauvistas motejándolos de fauves (fiera); en el caso de Braque y sus pinturas de L´Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por pequeños cubos. Se originó así el concepto de cubismo.
Etapas del cubismo
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analítico
Caracterizado por la desomposición de la forma y de la figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más duro y el más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
Al cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objetivo ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resultando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero wn practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
Pintores Cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Las Señotitas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La Fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.
George Braque (1882-1963)
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L ´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En la Naturaleza Muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas pra crear una nueva realidad mediante superposiciones y transpariencias.
También introducirá en sus pinturas los collage.
Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.
Juan Gris (18887-1927)
Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tiene una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla se suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, friteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón.
Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.
Fernand Leger (1881-1955)
El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus Persanajes son vistos con cierto carácter de autómatas.
El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y el constructivismo ruso.
Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales.
Es una de las Bellas Arte en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluye todas las artes de talla y cincel, junto con las función y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.
La función de la escultura
A lo largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la mayoría de personas eran iletradas, y la escultura cumplió también una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinados acontecimientos o conceptos. Así, en la Edad Media, en la época del arte románico, es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las poradas como <> o <>, ejecutados para ilustrar a la población analfabeta.
La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el aslámiento o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstractura, cumple principalmente esta función.
Los antiguos griegos y romandos plasmaron en sus estatuas su concepción de "belleza ideal", aunque la escultura como obra de arte, con valor propio, es un concepto moderno.
Tipo de escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estaturia y la escultura ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.
La estatuaria a su vez comprende varios tipos: de bulto redondo y de relieve.
De bulto redondo y relieve
De bulto redondo. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, la escultura del bulto redondo se clasifica en :
Busto: si representa la cabeza y la parte superior del tórax,
medio cuerpo,
de tres cuartos,
de cuerpo entero,
torso, si falta la cabeza, piernas y brazos.
En función de su posición la escultura se clasifica en:
sedente: sentada,
yacente: tumbada,
orante: de rodillas,
oferente: ofreciendo presentes,
acuestre: a caballo.
También puede senominarse:
coloso, si es de grandes dimensiones,
grupo, o conjunto escultórico,
ambiental.
De relieve. Es aquella que está realizada o adherida a una superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en:
Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.
Medio relieve: sobresale la mitad.
Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Conon de proporciones
El conon es e conjunto de proporciones ideales de la figura humana y sus reglas de composición, muy utilizadas por los antiguos artistas egipcios y griegos. Representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura. Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a. C.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al esciltor Policleto y aunque desde entonces ha ido experimentando variaciones en manos de los antiguos y modernos artistas, quedó bien establecido por el pintor Leonardo da Vinci, a finales del siglo XV, adoptándolo la mayoría de los pintores y escultores.
La medida fundamental del canon florentino, tomada del hombre constituido, está en la cabeza. Ésta se considera, en altura, como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los brazos, determina un cuadrado perfecto con la línea que bajan a plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se tiende sobre la cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijas en el centro de toda figura. Tirando una horizontal por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales, siendo una de ellas altura de la nariz.
Materiales y técnicas tradicionasles:
tallado
modelado
esculpido
pulido
Arcilla
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no necesitar de utencillios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para déspues trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Existen varios tipos de barro: barro rojo, barro refractorio, barro blanco (gris), hoy en día existen otros colores en el barro o arcilla. Estos de debe a la impregnación de colorantes en el material. Finalmente puede obtenerse una apariencia distinta cuando se lleva al horneado. Es el material básico del arte y artesanía ceramica. Sin embargo, nunca debe usarse sola, sino acompañada por un tercio de otros materiales que actúan modificando las propiedades naturales de toda la arcilla. La mezcla de arcilla + antiplasticos = se denomina "pasta" ceramica. El material arcilloso se utiliza también en otras artes como escultura; como vehículo para llegar a una escultura por ejemplo, luego de un proceso por moldes, se obtiene una reproducción exacta pero negativa del modelo en arcilla, donde luego se podrá llenar en otro tipo de material, yeso, cemento, etc.
Piedra
Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse abundantemente en la naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan herramientas especiales. Las piedras más comunes en la escultura son:
Pedra caliza: Roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar, aunque las hay de extrema dureza; se emplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en escultura monumental.
Mármol: Piedra caliza metamórfica, de grani fino y compato. Su tratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
Arenisca: Roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románticos.
Alabastro: Es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente translúcido.
Granito, baston diorita y otras piedras duras.
Hierro
El hierro es un metal que se utiliza para hacer esculturas, mediante técnicas de trabajo. Estas son
Repujado: Consiste en golpear chapas o varillas de hierro, en frío o en caliente, para darle las formas que el artista busca. Cuando se trata de chapas también se utiliza la palabra batido que remite a "golpear".
Forja: Es el arte que consiste en darle forma al hierro mediante el fuego y el martillo, por lo general la forja no es representativa de la escultura, peri si es usada por pocos artistas para crear piezas espectaculares.
Soldadura aléctrica: La soldadura eléctrica se utiliza un electrodo de hierro en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas preformadas mediante el repujado o la forja, etc.).
Soldadura autógena: Este tipo de soldadura permite generar una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la reación de obras más plásticas.
Actualmente se utiliza el acero corten, para realizar esculturas que van a estar a la intemperie.
Madera
Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su color natural. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia.
Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimilarse más, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una labor más prolija. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su interior.
Policromía
Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al lijado.
Se aplica una serie de pigmentos que impitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás.
Las herramientas para trabajar la madera son especiales:
Hacha y azuela para el desbastado.
Gubias y formones para la talla.
Maza de madera para golpear en mango de estos útiles.
Es un proceso artístico de la creación de un diseño usando un medio y la transferencia de la imagen hacia un sustrato (como papel), creando así una expresión artistica.
Aplicaciones:
Las artes gráficas se emplean actualmente como medio de difunsión publicitaria. Estos son los medios más comunes para aplicar las diversas técnicas de arte gráficas:
Rótulo
Los rótulos, son etiquetas identificadoras de papel blanco, sin impresión alguna que dan datos de la biblioteca, líneas de encuadres, etc., son de fácil lectura de la información y poseen 2cm. de alto, el ancho se adapta a la medida del tomo. A las obras ya procesadas y con los elementos de préstamos se les confeccionaran y adherirá en la parte externa o lomo un rótulo. La signatura topográfica es lo que se registra en el rótulo en forma manuscrita a máquina, etc.
Materiales que utilizan dicho rótulo son:
Libros:se le pegará el rótulo en el lomo, sera de 2x2 cm. O bien el ancho podra adaptarse al del lomo.
Folletos y Revistas: En este tipo de publicaciones el rótulo será de igual medida que la anterior y se adherirá en el margen superior izquierdo de la tapa o cubierta.
Materiales especiales:En este caso (videos, cd, diapositiva, etc.) similiar el del material bibliográfico, se adherirá la misma pieza o soporte (en su marbete, o etiqueta si la posee) y también en la parte visible del envase que lo conserva (cajita, estuche, carpeta de diapositivas, ect.) cuando se ubique n un lugar o mueble especial.
Caracteristicas
Todos los rótulos deben adherirse a la misma altura en todos los libros y en los lugares previstos o determinados; deben redactarse del mismo modo, ya sea a mano, a máquina, a computadora, ect. con el mismo color de la tinta o marcador. Solamente se rotulanrán las obras ya procesadas (selladas, inventariadas, clasificadas, catalogadas y preparadas para su posterior préstamo).
La diferencia de rótulo y el cartel son que el rotulo es de muchas palabras y poco dibujo, y el cartel es de muchos dibujos y pocas letras.
Libro
Folleto
Cartel
Un cartel, afiche o póster es una lamina de papel, cartón u otro material que sirve para anunciar o dar información sobre algo. En distribución, los carteles se colocan tanto en tienda como en el escaparate (en ocasiones, incluso, en el exterior) con el fin de anunciar precios de artículos u ofertas en marcha. Los carteles también se utilizan para colocar el nombre de departamentos y secciones con el fin de orientar a la clientela. En ambos casos, suelen incluir el logotipo y los colores corporativos de la cadena de distribución.
Los carteles se usan en merchandising para divulgar y apoyar campañas dentro del establecimiento tales como Rebajas, Semanas Fantásticas, Dia del Padre, etc. Generalmente, se colocan pegados en las paredes, muebles o cabeceras de góndolas, sobre pies metálicos o colgados del techo.
Los carteles también sirven para anunciar espectáculos o eventos culturales tales como:
* Conciertos
* Recitales
* Encuentros deportivos
* Circo
* Películas de cine
* Obras de teatro
* Ferias
* Exposiciones
En dichos casos, se encolan en paredes de los edificios donde tendrán lugar el acontecimiento u otros lugares de la ciudad habilitados al efecto. También existe una larga tradición de cartelería política que alcanza su máxima expresión en visperas de unas elecciones en las que la ciudad se llena de láminas con fotos de los candidatos.
Se denomina cartelística política o carteles políticos a aquellos que son confeccionados para hacer propaganda al servicio de una causa política o social. Se empezaron a utilizar masivamente a partir de la Revolución Rusa, más adelante en los gobiernos Fasistas Italianos y Alemanes, y durante la Segunda República (1931-1939) y la Guerra Civil (1936-1939), sobre todo en el Banco Republicano y en los partidos Obrero. En ella destacaron creadores como Carles Fontseré, Bardasano, Josep Renau. Cartelería
La cartelería tiene sus origenes en la segunda mitad del siglo XIX.
Los carteles en las fachadas, las placas esmaltadas, las columnas publicitarias, los hombres anuncio, los carruajes con carteles, los escaparates de los grandes almacenes, todos estos elementos convirtieron las calles de finales del siglo XIX en el medio publicitario por excelencia.
Algunos de los autores de la época son pintores de renombre como Manet, Toulouse-Lautrec o Chéret se sintieron fascinados por el cartel como nuevo medio publicitario. En España: Riquer y Ramón Casas son los máximos exponentes de la cartelería publicitaria modernista.
Carteles Luminosos
Cartel o letrero que se ilumina en la oscuridad por esa serie de tubos de neón colocados dentro de una cascara plástica. Dicho soporte traslúcido reproduce en varios colores el logotipo, la marca y otros mensajes gracias a la luz interior.
Los carteles luminosos son propios de las fachadas de establecimientos si bien también se encuentra en su interior promocionando sus productos o servicios. Son especialmente habituales en bares y retoranes de comida rápida en donde informan de los menús, precios, ofertas, etc. La iluminación de imágenes también se ha vueltos habitual gracias al perfeccionamiento de la reproducción fotográfica sobre policarbonatos y otros materiales.
Los carteles luminosos pueden colocarse en diferentes posiciones:
* Pegados al muro o la fachada del establecimiento, generalmente sobre la puerta
* Perpendiculares a la fachada sujetos a ella por un soporte metálico. Sus luces superpuestas conforman el paisaje habiual de muchas avenidas comerciales en el mundo.
* Formando esquina sobre la pared del establecimiento.
* Independientes en forma de monolito luminoso.
Por tener el mismo principio, también se puede considerar carteles a las imágenes iluminadas colocadas en el frontal de las máquinas expendedoras de bebidas, tabaco, alimentos, etc. y que se encuentra en numerosos establecimientos y lugares públicos. Estaditicas demuestran que un cartel es totalmente visualisado en un lapso de 12 segundos, por lo que un cartel complejo y errado en su diseño sería aquel que demande más que ese tiempo en ser comprendido.
Envase
Un envase es un producto que puede estar fabricado en una gran cantidad de materiales y que sirve para contener, proteger, manipular, distribuir y presentar mercancías en cualquier fase de su proceso productivo, de distribución o venta.
Una de la principales funciones del envase es la de conservar el produto. En este sentido, las características de un buen envase son los siguientes:
* Que problemas puede hacer un tetrabrik en el suelo a parte de [contaminar]
* Que permita su identificación
* Capacidad de proteger el producto.
* Que sea adecuado a las necesidades del consumidor en términos de tamaño, ergonomía, calidad, etc.
* Que se ajuste a las necesidades de carga y distribución del producto.
* Que se adapte a las líneas de fabricación y envasado de producto, y en particular a las lineas de envasado automático.
* Que cumpla con las legislaciones vigentes.
* Que su precio sea adecuado a la oferta comercial que se quiere hacer del producto.
* Que sea resistente a las manipulaciones, transporte y distribución comercial.
Función y Propósito
Algunos objetivos y funciones del envase y el etiquetado son:
Proteccion Física: El contenido del envase necesita estar protegido entre otras cosas de los golpes, las vibraciones, la compresión, la temperatura, etc.
Protección de Barrera: Una barrera ante el oxígeno, vapor de agua, polvillo, etc. La permeabilidad del envase es un factor crítico en el diseño. Algunos traen desecantes o absorbentes de oxígeno para ayudar a extender su vida en las estanterías. En algunos envaces de alimentos se mantienen en una atmófera controlada. Manteniendo el contenido, fresco, y seguro para prolongar la vida en las estanterías.
Importante del envase como factor de VENTAS
Más allá de los usos básicos (contener, proteger y almacenar el producto), el envase debe cumplir con otras funciones igual de importantes como:
Diferenciar en el anaquel.- Si tenemos la oportunidad de elegir entre varias marcas, la que sea visualmente más atractiva o se distinga del resto tendrá una ventaja en la elección de los consumidores en el punto de compra.
Posicionar en la mente del consumidor.- Un envase bien diseñado es aquel que por sus elementos gráficos nos dice qué tipo de producto es el que vamos a elegir. Estos atributos apreciados visualmente nos facilitan la elección e incluso nos impulsa a ella, además de recordarlo para nuestra próxima compra y recomendarlo.
Medio Publicitario.- La competencia en el anaquel es muy carrada y a través de la publicidad en el envase podemos influir en la preferencia del consumidor, de forma independiente a los esfuerzos publicitarios realizados en medios masivos. Por éstas y otras razones como la diversidad y competividad de los mercados, las empresas buscan la oportunidad de que sus productos sean los "elegidos".
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnica de pintura y conocimientos de teoría del color.
TÉCNICA DE PINTURA
La aplicación de muchas de las técnicas requiere de medios para plasmar la obra; estos pueden variar y, generalmente, no ser limitados a una sola herramienta o instrumento. Otras técnicas por ejemplo algunas empleadas en el Expresionismo abstracto, no requiere que la pintura sea aplicada empleando un instrumento. Pinceles y brochas
Los pinceles son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar el tamaño, anchura y calidad. Los materiales de los componentes de los pinceles o bochas pueden ser orgánicos o sintéticos.
Las Cerdas
Las cerdas de estos, también llegan a ser hechas de distintos materiales, diversos grosores, longitudes y propiedades en sus acabados. Las cerdas, requieren ser tratadas con cuidado para así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitarle el excedente de pintura, limpiarlos con disolvente (varsol) y limpiarlos con jabón para retirar el disolvente , secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba.
LA PINTURA
Es el color presentado en una obra y puede ser de distintas naturalezas ya sean organicas o biodegradable, solubles en agua, de base aceitosa, etc.
Acuarelas
Las acuarelas es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son trasparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se esta realizando. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y dar por sucesivas veladuras en claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela clásica.
Obra:La lecura (acuarela)
Autor:Teodoro Núñes Ureta
Tempera
La tempera es un medio similar a la acuarela, pero tiene una "carga" de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional le aporta a la tempera el carácter opaco y no traslúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela "clásica" se considera incorrecto; a ese efecto en la acuarela se le denomina "acuarela opaca" o "muerta". Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos de trozo seco o de empaste. La formula de la tempera también incorpora goma arábiga, miel y e veces hiel de buey para aportar mas fluidez al recorrido del pincel.
Autor:Leonardo da Vinci
Acrílico
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polimero acrílico ( cola vinilica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el tono, mas que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo xx, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.
Obra:Incisión
Autor: Oscar Gagliano
Pasteles
La técnica de pintura al pastel consiste en la utilización de unas barras de colores similares a las tizas escolares pero que se diferencian de éstas en que, en su composición, llevan una alta proporción de pigmentos que se aglutinan con la cola y en ocasiones yeso. De esta manera se consiguen colores luminoso, intensos y bien saturados.
Es una técnica de las llamadas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o a la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie del trabajo. Como soporte es común utilizar papel de buena calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras superficie.
Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas.
Obra:Niña con un gato de Jean-Baptiste
Autor:Julio Puentes
Temple
Es una emulsión de agua, clara y yema de huevos y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agrega el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo entero, mas una parte mas de aceite, mas una, dos o tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un poco de barniz dammar que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado mas rápido, sin embargo el acabado es mas impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede emplear leche desnatada.
El médium se mezcla con el pigmento hasta crear una suerte de pasta similar a la del óleo y se trabaja de la misma forma en cuanto a la secuencia, con la ventaja de que se pueden hacer notable y efectos de cortes. Su belleza radica en su acabado mate. Su fondo de aplicación puede ser la tabla, el lienzo o el muro (siempre y cuando el muro este exente de humedad, si el muro filtra humedad produce exfoliaciones).
Obra: El nacimiento de Venus
Autor: Sandro Botticelli
Óleo
Es la técnica del rey por excelencia, su pastosidad, su carácter versátil de poder ser empleado en veladuras o en empastes le dan una libertad admirable, ya que su secado es gradual se pueden hacer esfumados y mezclas cromáticas sobre el mismo lienzo o soporte.
Lo mas empleado en técnica de procedimiento es el termino "graso sobre magro". Las primeras etapas deben tener mas color que aceite para que el exceso no dañe la estructura de la tela, y para evitar que estas primeras capas generen fitraciones sobre las ultimas capas, dando un aspecto grasiento y perjudicial para la conservación posterior del cuadro, ya que en los excesos de aceite esta el problema del amarilleo y las micro fisuras en el proceso del oxidación del aceite.
Los estilos de acabado varían desde las veladuras de Rafael hasta el trabajo pastoso y violento de Monet o Canogar. Su gran flexibilidad ha permitido a los artistas combinar sus bondades con otras técnicas como base, tal es el caso del temple y del acrílico, que aplicados en la etapa primera cumplen el principio de graso sobre magro a la perfección.
El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una imagen dibujada con instrumentos punzaste, cortantes o mediante procesos químico en una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de alojar tinta en la incisiones, que después se transfiere por presión a otra superficie como papel o tela.
La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente en planchas de cobre o aluminio pero también se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza el dibujo por medio de lineas generalmente, excavadas en la superficie de la plancha. Existen varias ticónicas para grabar el dibujo.
La palabra "grabar" es de etimología alemana "graben" significa cavar. Entró en el castellano por medio del termino francés "graver". El significado de grabar es trazar en una materia, marcas, letras o signos con una pieza incisiva como el buril.
PROCESO DE GRABADO EN MADERA
Técnica de grabado:
Calcográfico:Esta expresión se utiliza generalmente para referirce al conjunto de procesos empleados en la creación y producción de múltiples ejemplares de la misma imagen y engloba muchas técnicas y materiales que se emplean separada o conjuntamente para obtener las imagenes finales (las estampas). En todas ellas, la imagen se contruye sobre una "matriz" y se reproduce generalmente sobre papel, con la ayuda de una prensa. Por la acción de la presión, la imagen que reside en la matriz pasa a el papel, obteniéndose en este la simétrica a la que contiene aquella. Las técnicas relacionadas con la obtención de múltiples copias de la misma imagen, suelen agruparse según los materiales y medios empleados pala la consecución de la imagen.
Litografía:Técnica de grabado en la cual se emplea el linóleo como matriz. Para obtener la imagen hemos de incidir sobre este con una gubia de manera que estas partes talladas quedaran en blanco y las sin tallar serán las las que reciban la aplicación de la tinta. Por lo tanto el procedimiento de trabajo sera en negativo, al igual que en la técnica xilográfica.
Xilografía:Es la técnica de obtención de múltiples copias de la misma imagen, en la que se emplea como matriz una superficie de madera. Esta superficie de madera puede ser obtenida del árbol de dos maneras. Haciendo un corte del sentido longitudinal del tronco, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol. o bien, trasversalmente, haciendo un corte perpendicular ala dirección de las fibras que conforman el tallo de árbol. Según hayamos obtenido la matriz de madera, se construye la imagen tallandola mediante "gubias", con las que se rebajan la superficie de la matriz, obteniéndose huecos corresponden al color blanco o a la ausencia del color. Cuando se a terminado de tallar la imagen, se entinta la matriz con un rodillo, que deposita la tinta en toda la superficie de la matriz, salvo en los huecos tallados con la gubias (los blancos). La imagen se pasa al papel utilizando una prensa vertical.
Al Buril:Es la técnica por la que se construye el dibujo excavando líneas sobre una matriz de metal ayudándose exclusivamente del "buril", que es una herramienta compuesta de un mango en cuyo extremo se ha sujetado un pieza alargada, de metal, con forma de cilindro al que se le han escavado dos caras que se cortan en un arista y se ha afilado en bisel. El Buril recuerda en su forma a un Arado. Y el grabador lo utiliza de una manera semejante; haciendo surcos sobre la plancha, de manera que cuanto mayor es la presión que ejerce; consigue realizar una incision más profunda sobre la plancha, lo que provocará que se aloje en ella una mayor cantidad de tinta. El grabado a buril, es la técnica mas artistica y dificil de plasmar un dibujo, enlace o letra, esta relacionado con la joyeria por ser una gran fuente de grabados, se graba principalmente sobre Plata y Oro, por ser materiales mas blando, tambien se puede grabar materiales mas duros, incluso en el acero.
Punta Seca:Es el proceso según el cual se realiza la imagen sobre la matriz con el empleo exclusivamente de un punzón fino y afilado, que se emplea arañando la plancha con mayor o menor presión en función de la intensidad de línea que se desea. Este punzon recibe en nombre de "punta seca", y cuando se pesiona con él la plancha de metal, ésta responde separándose y levantando un milimétrico reborde a ambos lados le la incisión, donde se alojara la tinta y que recibe el nombre de "rebaba".Esta rebaba hace que sea posible limpiar la plancha ajustándose a la línea grabada, y dejando en sus estampas un velo que caracteriza a esta ténica. Las planchas grabadas mediante esa técnica deben ser cuidadosamente entintadas y limpiadas a la hora de estamparlas, debido ala fragilidad de la rebaba. Motivo por el cual es dificil encontrar ediciones largas.
Aguafuerte:Es el proceso según el cual la matriz se protege en su totalidad con un barniz compuesto de Betún de Judea y Cera de abeja que se puede aplicar en estado líquido o solido, y que se deja secar. Caundo está seco, se levanta con un punzón u otro utensilio capaz de retirar el barniz, siguiendo el dibujo que se quiera realiza, y dejando la superficie de la plancha al aire. Una vez levantado el barniz con la forma del dibujo, se introduce la plancha de metal en una solución de agua y ácido, que actuará corroyendo la plancha en las zonas donde se ha retirado el barniz y haciendo un agujero en la superficie de la plancha, que será más profundo cuanto mayor sea el tiempo que actué el ácido, y la concentración de la solución empleada sea mayor.
Barniz Blando:Está técnica consite en emplear un barniz que al secar mantiene una textura pegajosa y que se cubre con un papel muy fino, de los denominados "de seda", sobre el que se dibuja apretando con lápiz de grafito. Con esto se consigue que el papel de seda se quede especialmente pegado al barniz en las zonas donde se ha dibujado sobre él, de manera que cuando se ha terminado de dibujar, se retira el papel, y pegado a él el barniz de las zonas donde se ha dibujado, quedando la plancha sin protección. A continuación se introduce la plancha en el ácido, consiguiéndose el grabado sobre la superficie de la plancha. Esta técnica se emplea básicamente para imitir la textura del lápiz.
Tinta china con azúcar: Esta técnica es una variación del agua tinta y constituye un artificio para poder dibujar sobre la plancha utilizando tonos planos. Surge para resolver la dificultad que representaba el tener que dibujar sobre la plancha, preparada para el agua tinta, reservando las zonas donde no se desea que actúe el ácido. Para utilizar esta técnica es preciso preparar la matriz de metal cubriéndola con resina de colofonia. A continuación se prepara una solución de tinta china con azúcar, con la que se realiza el dibujo sobre la plancha, aplicándola con el pincel. Se deja secar la tinta china con azúcar y se cubre la plancha con barniz. Cuando el conjunto está seco, se introduce en agua y se diluye en esta tinta china y el agua, quedando al aire la plancha y la resina en la zonas que habíamos dibujado con la tinta china y el azúcar. Retirada la tinta china con azúcar, se introduce la plancha en el ácido, que actuará en las zonas donde se había aplicado la tinta china con azúcar y que ahora estarán desprotegidas por el barniz.
Mezzo-tinta: El nombre viene del italiano "mezzo-tinta", y también se llama "grabado a la manera negra". Consiste en conseguir un tono oscuro y uniforme en la totalidad de la plancha, que se va matizando hasta conseguir el blanco, mediante un proceso de bruñido de la superficie. La plancha se prepara utilizando la herramienta llamada berceau (o raedor) y se consiguen los blancos sobre el negro utilizando el "bruñidor". También se puede conseguir el negro utilizado repetidamente la técnica del aguatinta sobre la plancha hasta conseguir un tono negro profundo. Esta técnica es llamada frecuentemente "falsa Manera Negra". No significa falsa porque desaparesca sino porque tiene tonalidad de plancha.
Litografía: Técnica empleada para conseguir la reproducción de la imagen, en la que la matriz es una piedra calizada. En esta técnica no se graba la piedra, sino que se emplea la característica que tiene cierta variedad de caliza para reaccionar químicamente ante la presencia de las grasa. La imagen se realiza sobre la piedra dibujando con un lápiz graso que recibe el nombre de "lápiz litográfico". Una vez realizado el dibujo se procesa la piedra con una solución de ácido y goma arábiga, consiguiendo que el dibujo quede fijado a la piedra y estable.
En términos generales se denomina arte a la actividad o producto en los que el ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de los diversos recursos como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
La noción de arte hoy esta sujeta a profundas polémicas. Esto esta debido a que el significado de la palabra "arte" varía según la cultura, la época, el movimiento, o el grupo de personas para las cuales el término es producto del sentido.
jueves, 12 de noviembre de 2009
EN ESTE SITIO ENCONTRARÁN MIS FAVORITAS RAMAS DEL ARTE:
PINTURA, GRABADO, GRÁFICA, DIGITAL, ECT.
CON ELLO SUS HISTORIAS, OBRAS Y ARTISTAS MÁS IMPORTANTES DE TODOS LOS TIEMPOS..
